‘Remando’ es un disco inédito con 11 temas compuestos por el mismo Saúl, y se exploran las entrañas de los orígenes del líder de Caifanes, y con esta gira busca reencontrarse con su público que lo ha seguido a lo largo de su carrera, para compartir su música en espacios intimistas, dejando de lado las grandes arenas o recintos de miles de personas, y por dos horas y cuarenta minutos sentirnos cerca, tener un momento personal atrapándonos en el caleidoscopio de melodías de este compositor mexicano.

Con pequeños interludios, Saúl se tomó breves momentos para conversar hacia su público, el cual no desaprovechaba para clamar sus temas favoritos, pero en general, el silencio reinaba para todos al admirar las palabras de Hernández, ya que en varias ocasiones recitó poesía, logrando obtener sobre todo los suspiros del público femenino.

Sus temas obtuvieron arreglos que lograron tener un efecto hipnótico en el público presente, y no se necesitó más que la música para conducirnos en un escenario que solamente tenía a sus músicos de escenografía con un juego de luces bellamente planeado para la ocasión.

El repertorio de la noche se encargó de repasar temas de toda la trayectoria de Hernández, comenzando con ‘Antes de que nos olvide’, ‘Miedo’, ‘Viento’, ’Está muy claro’, ‘Mariquita’, ‘Quisiera ser Alcohol’ para luego empezar a intercalar con las nuevas melodías. De ‘Llévame a tu sol’ pasó a ‘Bruja Caníbal’, para después interpretar ‘Molecular’ del nuevo álbum.

Todos los derechos reservados – Fotografía Mari Sustaita

A pesar de que los años ya recaen en Saúl, se mantiene tan jovial y alegre como en los días de antaño, correspondiendo los saludos de la audiencia y dejándose llevar por una simpatía y simpleza que lo caracterizó en la noche. El gesto fue dedicar la canción ‘Voy a hablarle al mundo’ a su hijo.

Su público se entregó por completo, y a pesar de que se les pidió mantenerse sentados por respeto al espacio, en temas como ‘Por un beso’, ‘El Milagro’, ‘Acuérdate que las ratas no tienen alas’, se le veía a más de uno alzar su brazo en ritmo de la música o balancear su cabeza cual concierto de rock que se disfruta enérgicamente.

Cuando ya se veía venir el Encore, el recinto completo se puso de pié al finalizar ‘Entre tus jardines’ y coreó un ‘Oeee oeee oeeee oeeee Saúuul Saúuuul’. Pasaron un par de minutos y Saúl salió al micrófono, exhortó a los presentes a luchar en contra de lo que sucede en Wirikuta, ya que este recinto sagrado de los Huicholes peligra por la posible construcción de una mina. También invitó a los asistentes a presenciar el documental ‘Reportero’ que se exhibirá en la Cineteca Nuevo León ya que este filme denuncia, como es que este oficio ha peligrado mucho en México y también se han visto marcados por la desaparición de varios profesionistas de esta índole en la cruzada de la guerra del narcotráfico.

‘Ya basta, ya estamos hasta la chingada de todo lo que ocurre…’ Enunció Hernández obteniendo la réplica afanosa de su público que gritaba en aprobación de sus argumentos. ‘Detrás de los cerros’ fue el tema que prendió de vuelta al público para ir cerrando la noche.

‘Lucha de gigantes’ se interpretó después de que Hernández leyera un poema que dedicó al recién fallecido Carlos Fuentes. El tema con el cual todos pensábamos que cerrarían llegó al fin ‘La célula que explota’, dejó a un público extasiado y complacido por completo, pero por si no fuera poco todavía continuaron con ‘Mátenme porque me muero’ para ya cerrar con broche de oro la noche que sirvió de alivio a muchos que tenían años de no presenciar a Saúl en este ambiente tan cercano y próximo, como para sentir su amor por la música y el público que lo sigue al paso de los años.

Video proporcionado por CONARTE

Saúl Hernández estará también el sábado 19 de mayo presentándose en el teatro del centro de las artes a las 9pm. Más información en el siguiente sitio oficial de CONARTE

http://www.conarte.org.mx/eventos/remando/

Para mayor información de la gira de su álbum ‘Remando’ pueden consultar el sitio web de Saúl.

http://www.saul-hernandez.com

H.

La carrera del director norteamericano Joel Schumacher es ciertamente una llena de contrastes: tras comenzar con un meteórico ascenso al realizar dos de los clásicos definitorios de la cultura pop de la década de los ochentas (por supuesto nos referimos a “St. Elmo’s Fire” y “The Lost Boys”), Schumacher cimentaría una reputación de artesano efectivo con una serie de thrillers de aceptable calidad, pero desafortunadamente terminaría por tropezar desastrosamente con un gran clásico de la infamia: “Batman & Robin”, cinta que terminó la primer saga fílmica del Caballero de la Noche y que irremediablemente se volvió un lastre en la carrera de Shumacher. A partir de ese punto la obra de Schumacher es un tanto dispar, pues si bien ha tenido un par de aciertos (“Phone Booth”), en su mayoría los resultados no han sido muy favorecedores. “Trespass”, thriller del 2011 protagonizado por Nicolas Cage y Nicole Kidman, es tristemente otro ejemplo de esto.

“Trespass” (en Español “Sin salida”) es la historia de la familia Miller, la cual está compuesta por el hábil comerciante de diamantes Kyle (Cage), su esposa Sarah (Kidman) y su hija adolescente Avery (Liana Liberato). Los Miller viven en una moderna y lujosa mansión en medio del bosque, y aunque llevan una vida privilegiada, no son una familia muy funcional, pues Sarah sufre de aburrimiento y abandono por parte de su esposo, quien parece rechazarla, ocultándose en su absorbente trabajo. A su vez, Avery es rebelde y desobediente, al punto de escaparse de la casa para irse a una fiesta. Cuando Kyle nuevamente se dispone a salir de casa para un negocio, un grupo de criminales disfrazados de policía irrumpe en sus casa y amaga a los Miller con la intención de robar diamantes. Lidereados por Elias (Ben Mendelsohn), los criminales torturan a la pareja, pero Kyle decide usar sus habilidades y negociar con ellos. Sin embargo, las cosas se complican cuando Sarah reconoce a uno de los criminales.

Con el tema de un grupo de criminales aterrorizando a una familia, el guión del debutante Karl Gajdusek no puede evitar remitir a cintas de horror como “The Last House on the Left” o “Funny Games”, sin embargo, Gajdusek no sigue la misma línea y por el contrario, lo que explora en “Trespass” no es el horror, sino el suspenso, construyendo un thriller donde la duda es si Kyle Miller logrará usar sus habilidades para negociar su salvación. La premisa no suena mal, pero desafortunadamente Gajdusek hace un terrible trabajo al desarrollarla, cayendo en clichés, incoherencias y ridículos, pues los personajes parecen olvidar el sentido común con el fin de avanzar la trama. Claro, hay puntos interesantes, como el personaje de Sarah y sus conflictos matrimoniales que podrían haber culminado en una infidelidad. Pero Gujdusek no logra hilar las ideas y con humor involuntario, ultimadamente la historia se asemeja más a una farsa mal realizada que a un serio thriller de suspenso.

La dirección de Joel Schumacher no ayuda en mucho en levantar el desastre de guión con el que hay que trabajar. De hecho, el pulido trabajo que realiza Schumacher (apoyado en una muy buena fotografía de Andrzej Bartkowiak) más que ocultarlos más bien realza los defectos del guión. El estilo de Schumacher, tan visualmente colorido, tan claro y pulcro, resulta quizás demasiado pulido como para el tipo de historia que trata en “Trespass”, demasiado limpio, demasiado estilziado. Y aunque Schumacher sabe manejar el suspenso bien (como ha probado en la ya mencionada “Phone Booth”), en esta ocasión pareciera como si, aburrido por su propia historia, Schumacher simplemente hubiera dejado el barco a la deriva. El resultado: un ritmo muy descuidado, una falta total de suspenso, y una serie de secuencias donde lo que más falta es el sentido común. Claro, ciertamente es el guión de Gajdusek donde se originan la mayoría de los problemas de “Trespass”, pero la dirección de Schumacher luce bastante floja.

Respecto al elenco, es un tanto extraordinario ver a dos ganadores del premio de la Academia, Kidman y Cage, tratando de salir adelante en una cinta tan desastrosa. Aunque no es la primera vez que Nicolas Cage se ha visto invlucrado en una debacle, al menos en anteriores ocasiones Cage entregaba actuaciones con cierto convencimiento, como con un genuino interés. No es el caso de “Trespass”, donde solamente se limita a brindar una sobreactuada versión de su clásica interpretación de desesperado. La bella Nicole Kidman luce perdida en medio del desastre, luciendo desinteresada y abstraída en su interpretación, que se basa principalmente en sobractuados gritos y miradas intensas. El resto del elenco sólo va de mediocre a lastimosamente terrible, con un desaprovechado Ben Mendelsohn tratando de sacar adelante a su pobremente escrito personaje, mientras que Cam Gigandet y Jordana Spiro realizan las peores actuaciones del filme.

Aunque las malas actuaciones y la pobre labor de dirección son ya dos puntos bastante negativos, el verdadero problema de “Trespass” es sin duda el mal guión entregado por Karl Gajdusek. Lleno de giros ineccesarios y carente totalmente de verosimilitud, “Trespass” de Gajdusek es un ejemplo de que aún en la ficción hace falta coherencia en la construcción de los personajes. Dejando de lado lo elitista que podría parecer el diseño de personajes, lo realmente problemático es que los personajes actúen de manera tan incompetente a medida que la historia se desarrolla. Gajdusek no tiene empacho en sacrificar el sentido común en aras de avanzar su historia, prefiriendo emplear inverosímiles situaciones en vez de esforzarse en crear alguna personalidad o motivación para sus personajes. Al final de cuentas, los personajes son meros clichés andantes, vacíos estereotipos que parecieran más propios de una parodia del género que de un verdadero thriller.

Como se mencionó anteriormente, poco hace Schumacher por salvar la cinta del desastre, y el resultado es una muy pobre cinta que carece de interés más allá del morbo que resulte ver a dos ganadores del premio de la Academia en una mala cinta de serie B. Claro, hay algunas cosas buenas, como el estupendo trabajo de fotografía realizado por Andrzej Bartkowiak y el diseño de producción de Nathan Amondson; más sin embargo, estos elementos no son suficientes como para dar vida a una película que simplemente carece de chispa. Sin duda Joel Schumacher sabe como hacer una película, su narrativa es efeciva y la realización adecuada; sin embargo, “Trespass” parece ser uno de esos caso en que el director simplemente perdió el interés. En general un desastre. Un desastre que luce muy bien, pero desastre al fin.

J Luis Rivera

Elenco: Zac Efron, Taylor Schilling,

Con una historia simple y sin pretensiones, llega este fin de semana a las salas de México la película “Cuando te Encuentre” (The Lucky One).

Adaptada de la novela homónima de Nicholas Sparks, el guionista Will Fetters (Remember Me) nos entrega una historia tan sencilla que parece sacada de una película de las 4 pm en fin de semana. En ella, el sargento Logan, de la infantería de marina (Efron), regresa de su tercera misión a Irak con un objeto al que atribuye seguir con vida: la fotografía de una mujer que ni siquiera conoce. Descubre que la mujer se llama Beth (Schilling), averigua su dirección, va hasta su casa y termina trabajando en la pensión para perros que administra la familia de Beth. A pesar de que ella desconfía de él al principio y de las complicaciones de su vida, surge entre los dos un romance que le da a Logan la esperanza de que Beth pueda llegar a ser mucho más que un amuleto de buena suerte.

Con solo 5 personajes, el peso de la película recae en Zac Efron, el cual esta creciendo física y actoralmente frente a nuestros ojos y ya poco queda del niño de películas infantiles y musicales de Disney. En “Cuando te encuentre”, Efron entrega una actuación que cumple con el papel y nos demuestra que tiene capacidad para mas. En el caso de la protagonista femenina, Taylor Schilling (quien es conocida como la enfermera Veronica Callahan en la serie Mercy) nos da un personaje con algunos matices interesantes, sin embargo parece que se queda en el intento de ser una leading lady.

Como papeles secundarios, tenemos a Blythe Danner como la abuela de Beth quien, en pocas escenas, logra un personaje solido que ilumina cada escena y nos deja con ganas de mas. La sorpresa de la película es Riley Thomas Stewart, como en hijo de la protagonista quien nos roba el corazón desde las primeras escenas y logra tener un vínculo con la audiencia. En la parte antagónica podemos ver a Jay R. Ferguson (quien los fanáticos de la serie Mad Men reconocerán de inmediato) en un papel lleno de demonios internos que nos atrapa hasta el ultimo momento.

“Cuando te Encuentre” es la séptima adaptación de Nicholas Sparks al cine, y aunque la historia sigue funcionando, el problema es que ves una y sientes que has visto todas. Es una formula tan gastada y tan cliché que aunque Hicks hace un buen papel dirigiendo, este filmada en unas hermosas locaciones que son parte de la historia y aunque la fotografía es linda y la música soporta la historia, la película se queda en eso, en una película mas, de esas que si viste te entretienes, pero si no viste, no te perdiste de mucho.

Vayan con una buena compañía, palomitas para todos y dispuestos a pasar un buen rato. No va a cambiar la forma de ver el cine, pero quien sabe, tal vez si cambie su forma de ver el destino.

Nancy G.

Reparto: Will Ferrell, Diego Luna, Gael García Bernal, Genesis Rodriguez, Adrian Martinez, Efren Ramirez, Pedro Armendáriz Jr.

Hace un par de años el filme ‘Machete’ de Robert Rodriguez saltó a las carteleras, y todo comenzó con un trailer ficticio que realizó para Grinhouse, el copilado de los filmes ‘Death Proof’ y ‘Planet Terror’ que emulaban y hacían tributo a filmes clase B, todo un género existente solamente en Estados Unidos e inexplorado en el resto del mundo.

Casa de mi padre, es el nuevo ejemplo de que este cine absurdo sigue teniendo un mercado meta, ya que pasamos de tomarnos una trama enserio como público, a ser cómplices del chiste en la incoherencia de narrativa. A pesar de que ‘Casa de mi padre’ es un filme estadounidense, es un híbrido entre el home video/cine chicano fronterizo y el género telenovela, tan explotado en México por quién distribuye el filme, televisa.

El filme junta a la dupla de charolastras Diego Luna y Gael García Bernal por tercera ocasión, anteponiéndolos como rivales, la estrella protagónica es Will Ferrel que se destaca por hablar español durante todo el filme, aunque siendo realistas es un lenguaje básico y atropellado. Génesis Rodríguez es la estelar femenina que entra al mundo del cine con este filme y causalmente Pedro Armendáriz Jr. Sale del espectáculo con esta película póstuma.

Aprovechándose de la hilaridad y el humor sardónico, Casa de mi padre nos distrae por completo narrando la historia de dos hermanos mexicanos Raúl y Armando (Luna y Ferrel respectivamente) que se disputan la atención de su padre (Armendáriz Jr.), el cual siente deshonra de Armando considerándolo tonto e inútil. El reciente regreso de Raúl al pueblo causa que el narcotraficante apodado ‘Onza’ (García Bernal) se sienta amenazado e inician los problemas en el filme.

Fuera de tener un propósito, esta producción resulta agraciada por tener la dupla de actores mexicanos que ya se han consagrado internacionalmente, aparte de ser el último filme de Pedro Armendáriz Jr. El cual es garantía de éxito puro. En los detalles técnicos la película no hace el mínimo esfuerzo, por sorprender con grandes efectos especiales o escenarios espectaculares, al contrario, esto también es un factor para reírnos de la ironía por la cual, en algún momento los filmes de luchadores mexicanos fueron idolatrados en Francia, exhibiéndolos con la consideración de ser surrealistas.

Lo capcioso de todo el asunto es, que filmes como estos antes eran considerados totalmente carentes de prestigio o eran aborrecidos por un sector demográfico puramente clasista, pero ahora, hasta parece una fórmula de moda y que pugna para generar tendencia. He aquí como la antimoda se vuelve vanguardia.

Mientras se defina un mercado propositivo al respecto, pequeños productos cinematográficos que exploran esta veta de éxito, quedarán como un ensamble de buen ingenio en la posteridad. Es clara la irreverencia y propósito de los productores, ahora falta ver, si es que logran convencer a un público que es mega exigente en estos días y que es difícil sorprender entre el mundo digital y las historias de contenido.

Clasificación: Véase como el experimento que es, disfrútela y ria, tómese como broma y déjese llevar entre el absurdo español de Ferrel y los errores técnicos propositivos y descuidados que aun más nos harán divertirnos.

Saludos caseros.

H.

Mítica. Única. Simplemente fuera de este mundo. La secutora y misteriosa figura de Marilyn Monroe es quizás el más grande ícono que ha producido el cine en toda su existencia. Su fulgurante carrera y temprana muerte se han combinado para hacer de Norma Jean Mortensen (su nombre real) un mito moderno, la encarnación perfecta de la fábrica de sueños que es Hollywood. Un símbolo realmente puro del enorme impacto del cine en nuestra vida moderna. Y gran parte de este mito es el descubrir que tanto de ella era la diosa Marilyn, y que tanto era aún Norma Jean, la tímida e insegura joven con sueños de ser no una estrella de cine, sino una artista. Esta faceta de su personalidad es la que se vislumbra en las memorias de Colin Clark, quien en 1957 fungió como asistente de Sir Laurence Olivier cuando Marilyn viajó al Reino Unido a filmar “The Prince and the Showgirl”. Y estas memorias de cine regresan nuevamente a la pantalla grande en la cinta “My Week with Marilyn”.

Titulada “Mi semana con Marilyn”, la cinta narra la historia de Colin Clark (Eddie Redmayne), un joven recién graduado de la Universidad desea fervientemente abandonar la vida de clase acomodada que tiene con sus padres y entrar en la industria del cine. Para lograr esto, Clark se muda a Londres deseando encontrar trabajo en la casa productora de Sir Laurence Olivier (Kenneth Branagh). Gracias a su perseverancia, Clark recibe el apoyo de la esposa de Olivier, Vivien Leigh (Julia Ormond), y su primera tarea se vuelve el conseguir una residencia para la estrella de la próxima cinta de Olivier: Marilyn Monroe (Michelle Williams). Ganándose el puesto de tercer director asistente, Clark se adentra en el mundo del cine, encontrándose en medio del remolino de la filmación, donde descubre a una frágil e insegura Marilyn, tratándo de ganarse el respeto como actriz al enfrentarse a la realeza de la cinematografía Británica.

Con un guión adaptado por Adrian Hodges, “Mi semana con Marilyn” narra en cierta forma dos historias a la vez: la del viaje iniciático del joven Colin Clark al mundo del cine, y la del enfrentamiento de Marilyn Monroe contra el mundo, contra Olivier, contra sus miedos, contra sí misma. Hodges encadena muy bien ambas tramas, desarrollando el despegue de la carrera de Clark a la par que Olivier fragua la llegada de Marilyn al Reino Unido. Más sin embargo, aunque a ciertamente Hodges ofrece una muy interesante perspectiva de la labor cinematográfica a través de los ojos del joven Clark, finalmente es la historia de Marilyn la que absorbe a la otra. La historia de Hodges presenta un cautivador retrato de la compleja personalidad de Marilyn. La Marilyn de Hodges es Marilyn en la cúspide, es una estrella, una diosa, más en el fondo, es una mujer frágil e insegura que lucha por ganar el respeto de sus colegas.

Veterano de la televisión (con un curriclum que incluye a la popular serie de TV “Cranford” y a una de las mejores adaptaciones de “David Copperfield”), el director británico Simon Curtis da el salto a la pantalla grande en “Mi semana con Marilyn”, en la que revive el momento del choque entre la más grande estrella de cine norteamericana con el actor más prestigiado del Reino Unido. Este choque de personalidades, choque de leyendas, forma una de los elementos más interesante de “Mi semana con Marilyn”, pues en la cinta de Curtis, el enfoque no esta tanto en el aspecto visual de la cinta sino en su hábil manejo de actores. Para Curtis, lo interesante es descubrir el lado humano que se esconde en el fondo de la industria de cine, detrás del oropel y el maquillaje, y para hacer esto realiza una cinta donde los rostros, particularmente los ojos, dicen mucho más que cualquier línea de diálogo.

Naturalmente, las actuaciones se vuelven de gran importancia en este cine tan basado en la labor actoral, y aunque hay un par de excepciones trágicas; en general, se puede decir que el elenco de “Mi semana con Marilyn” hace un buen trabajo. Interpretando a la legendaria Marilyn, la actriz Michelle Williams realiza un trabajo formidable en el que realza la gran complejidad que contenía su personaje. Con gran talento Williams revive escenas de “The Prince and the Showgirl”, capturando esa magia vibrante que la Monroe imprimia a cada una de sus actuaciones, a la par de retratar los demonios de Monroe, esos que le hacían tan difícil lograr esas actuaciones con facilidad. Desafortunadamente, Eddie Redmayne, quien interpreta a Colin Clark, está mucho muy por debajo del trabajo de Williams, y brinda un trabajo tan pobre que afecta visiblemente a la cinta, pues el joven actor carece de química con Williams, y más de una vez luce acartonado y débil.

Sin embargo, Curtis tiene un sólido elenco en los papeles de reparto, donde destacan principalmente Judi Dench y Emma Watson, quienes a pesar de tener papeles pequeños dan una cátedra de actuación de primer nivel. Watson sobre todo es una agradable sorpresa, demostrando que sin duda es la más dotada del elenco juvenil de “Harry Potter”. Es triste que Curtis no haya logrado sacar de Redmayne una mejor actuación, pues a pesar de ser el protagonista es fácilmente opacado por los demás miembros del elenco. Curiosamente, esto hace más obvio un problema mayor: cautivado por la persona de Marilyn, el guión de Hodges deja casi totalmente de lado la historia de Colin Clark, que se queda más como un pretexto para poder adentrarnos a los conflictos de Marilyn, pues es realmente ahí donde se encuentra el alma de la historia. Lo cual no es nada extraño pues, después de todo, no es cualquier actriz, es Marilyn Monroe.

Finalmente, “Mi semana con Marilyn” es una buena exploración del gran ícono del cine, Marilyn Monroe, que nos presenta una soberbia actuación de Michelle Williams. Es una verdadera lástima que dicha actuación no encuentre buena contraparte en la de Redmayne, pero al menos está rodeada por geniales actores de soporte. Aunque tradicional en su visión, la propuesta de Curtis permite un gran lucimiento de sus actores, lo que se traduce en una cinta que aunque habla del material del que están hechos los sueños, es mucho muy humana. De hecho, esa gran humanidad es la que la distingue de otras biopics sobre Monroe, haciendo de esta una cinta que, si bien quizás imperfecta, no deja de ser disfrutable. Especialmente si uno se deja seducir por la magia de esta rubia legendaria.

J. Luis Rivera

Dicha película contiene imágenes explícitas de desnudo y sexo, nada del otro mundo me parece, pero suficiente fue para ganarse, tras un controversial debate; la clasificación NC-17.

Cuidando de no arruinar la sorpresa podemos por lo pronto adelantar que “Deseos Culpables” (subtitulo en español) es una buena película, cuya trama básica es una mirada dentro del cotidiano de Brandon Sullivan (Michael Fassbender), es decir, el modelo de vida actual del hombre soltero en sus treintas: trabajar, salir con los amigos al bar local, sexo casual con alguna mujer (o algunas mujeres), llegar al departamento finamente amueblado y ver pornografía en su computador… Todo girando en un eje perfectamente regulado por los caprichosos antojos de Brandon, hasta la llegada de Sissy (Carey Mulligan) quien desordena desde el departamento, hasta el deseo del protagonista.

En general, esta película podemos verla en dos ángulos: una película atrevida y provocadora, con escenas sexuales bien trabajadas, que no incurren en mera pornografía; o bien, un collage interesante de las perspectivas de la moral social del nuevo siglo y la era del twitter.

Contrario a lo que en las críticas de cine se dijo de Shame, realmente no observamos a un protagonista culposo, no al menos, hasta la mencionada aparición de Sissy; y es esto lo que nos da a pensar: ¿Por qué es tan importante cuidar las apariencias con ella en casa? La culpa es algo que generalmente nos llega de fuera (¿Quién no recuerda a las madres mexicanas con su famoso “te va a ver el policía”?) y desde esta mujer aparentemente incómoda para Brandon, comienza el sentir de la culpa.

Son pequeñas pistas que nos matizan esta historia bien contada, llena de incógnitas y como hemos mencionado, una estampa de diferentes posiciones de moralidad, de las diferentes caras del deseo en la cuales podemos ver reflejadas muchas realidades secretas de nuestra cotidianidad. He aquí donde el cine hace honor a su nomenclatura como séptimo arte, cuando nos muestra sin reserva alguna nuestros rostros ocultos por la moralidad, la educación entre otras directrices.

Y justo aquí detengo el análisis para provocar el pensamiento colectivo del lector, precisamente porque ése es el eje central de nuestra trama, ¿Qué desea Brandon? ¿A quién desea Brandon? Me parece que el guionista nos juega una interesante pasada, el título ya nos deja inermes en una posición, nos instala los lentes morales de Culpa, Vergüenza (Shame), Deseo… ¿Somos nosotros quienes miramos desde los ojos de Brandon? ¿O queremos ponerle a Brandon el límite que dibuja nuestra imaginación?

Hasta la próxima;

Elizabeth T.

Sin duda el llegar a la edad madura es realmente un cambio de vida tan fuerte como la adolescencia, quizás aún más, pues al momento en que se presenta existe una mayor resistencia a los cambios que conlleva. Y sin embargo, tarde o temprano el ser humano terminará por adaptarse (En ocasiones más tarde que temprano), incluso a autodescubrirse de nuevo. Esta posibilidad inspiró a la autora Británica Deborah Moggach para escribir “These Foolish Things”, novela publicada en el 2004 (cuando la autora misma contaba ya con 56 años), y a la que agrego un poco del tema de choque cultural pues trata sobre un grupo de ancianos Ingleses enviados a una casa de retiro en la India. siete años después, el escritor Ol Parker y el director John Madden presentan una adaptación de “These Foolish Things”, bajo el título de “The Best Exotic Marigold Hotel” y con un fuerte elenco donde reúnen a varios de los mejores actores Ingleses de su generación.

Titulada en Español como “El Exótico Hotel Marigold”, el filme cuenta la vida de varios personajes: Evelyn (Judy Dench) es una ama de casa que al morir su esposo se da cuenta que no ha vivido su propia vida, Douglas y Jean Ainslie (Bill Nighy y Penelope Wilton) una pareja en edad madura que ha perdido el dinero de su retiro en la empresa de su hija, Graham (Tom Wilkinson) es un Juez de la Suprema Corte que de pronto ha decidido retirarse, Norman es un solterón empedernido que aún busca ser un Casanova (Ronald Pickup), mientras que Madge (Celia Imrie) es una viuda incapaz de vivir sin un hombre en su cama. Finalmente, Muriel (Maggie Smith) es una estricta y racista anciana forzada a viajar a la India para una operación de cadera que requiere. Todos ellos encuentran en el Best Exotic Marigold Hotel un promisorio (y económico) lugar para vivir su retiro, pero lo que encuentran es un lugar casi en ruinas cuyo soñador dueño (Dev Patel) intenta levantar.

El guión de Ol Parker toma la premisa de la novela de Moggach y la desarrolla como una ingeniosa comedia ligera donde este grupo de olvidados personajes descubren en la India un poco de ellos mismos. A diferencia de la novela, Parker se enfoca solamente en sus ancianos personajes, que han sido prácticamente dejados de lado por sus familiares en Inglaterra. Sin embargo, este aligeramiento del tono de la trama no significa una simplificación, pues el guión de Parker mantiene con inteligencia el típico ingenio del humor británico. Parker logra hilar las historias de su nutrido grupo de personajes con gran habilidad, desarrollando bien las relaciones entre ellos, y el cómo se afectan entre sí. La historia de Graham, y la del matrimonio Ainslie realmente son particularmente cautivantes. En general Parker hace un buen trabajo al manejar tantos personajes, aunque no está de más decir que hay un par de ellos en quienes pudo haber ahondado más.

El director John Madden da vida a estas historias con una sólida dirección, apoyándose en el eficiente trabajo del cinefotógrafo Ben Davis, quien captura los vibrantes colores y seductoras formas de la cultura de la India, contrastándolos con el gris de la vieja Inglaterra que los personajes abandonan. Sin embargo, Madden no hace gala de un complicado estilo visual, al contrario, mantiene un toque natural y realista, dando espacio a sus actores para desenvolverse. De hecho, Madden evita caer en los efectismos turísticos que suelen afectar a cintas ubicadas en locaciones exóticas y por el contrario, enfoca totalmente la atención en sus personajes, que son el corazón de la cinta. A pesar de tener a un numeroso grupo de personajes, Madden desenvuelve su historia con un buen ritmo, manteniendo una narrativa visual ágil y dinámica que permite moverse entre las diferentes tramas que se desarrollan en la cinta.

El elenco de “The Best Exotic Marigold Hotel” es realmente una colección de talento Británico de primer nivel, encabezado por Judi Dench, quien interpreta a Evelyn, una señora tímida pero dispuesta a conocer el mundo. Dench brinda una cálida interpretación, llena de una gran naturalidad y carisma. Tom Wilkinson realiza un gran trabajo como Graham, el Juez retirado que va a la India con una misión muy particular. Sin embargo, y aunque Wilkinson y Dench hacen un trabajo brillante, son otros actores quienes roban la película: Bill Nighy y Maggie Smith. Con una gran sutileza y un excelente toque para el humor seco que maneja el guión de Parker, el veterano Bill Nighy brinda una soberbia interpretación llena de matices. La otra joya de la cinta es Maggie Smith, quien realiza una poderosa interpretación en el papel de Muriel, la anciana prepotente y racista que se siente atrapada en un país que detesta.

Como la esposa del personaje de Bill Nighy, Penelope Wilton se enfrenta a un personaje difícil, siendo su personaje oro de los ancianos que se rehúsan a adaptarse a la cultura de la India. Wilton logra hacer de su antipático personaje algo más que una caricatura, dotándolo de una gran verosimilitud y una definitiva presencia. En papeles menores se encuentran Ronald Pickup, Celia Imrie y Dev Patel, todos ellos realizando un gran trabajo, especialmente la bella Imrie, quien como Madge, realiza una gran interpretación. Tan buena, que se vuelve un poco triste el hecho de que sea quizás el personaje menos explorado en la trama. Este es quizás el gran problema del guión de Parker: el desarrollo de los personajes es algo dispar, quedándose un par de tramas con la sensación de estar algo incompletas. Sin embargo, a pesar de esto es admirable la manera en que Parker logra hilar sus tramas con lógica e inteligencia.

Aunque “The Best Exotic Marigold Hotel” pinta a primera vista como una cinta sobre choque cultural entre Occidente y Oriente, en realidad lo que el director John Madden y el guionista Ol Parker han logrado es una comedia inteligente que aborda las relaciones humanas con una gran naturalidad y sutileza. “The Best Exotic Marigold Hotel” reúne a un gran elenco de actores Británico que, brindando una serie de soberbias interpretaciones, prueban que estos artistas conservan su talento intacto. A final de cuentas, “The Best Exotic Marigold Hotel” es una cinta optimista que, sin grandes pretensiones, nos recuerda que al final todo saldrá bien.

J Luis Rivera

Reparto: Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Tom Hiddleston y Samuel L. Jackson

Decir que ‘Los vengadores’ es un filme basado en los famosos comics de la casa editorial Marvel, está casi de más para este artículo, sin embargo se recomienda ampliamente leer y estar al tanto de esta literatura gráfica para una degustación cinematográfica.

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México y varios países del mundo, han dado un salto cuántico en la historia del cine. Como pocas veces, tuvimos el privilegio del estreno anticipado de un filme que sigue rompiendo todas las expectativas, y que nos viene a abrir el marco de los grandes estrenos de verano. ‘The Avengers: Los vengadores’ no solo es todo lo que podíamos esperar de un filme de superhéroes, sino que es la muestra clara de que una franquicia multimillonaria, puede ser exitosa por su contenido y no solo por su esplendida calidad visual.

Todo se remonta al 2005, cuando Marvel Studio decidió hacer el crossover de Hulk, Capitán América, Iron man y Thor como personajes principales para este filme. Para lograr ir atrapando al público se realizarían cintas individuales de los héroes mencionados. Todo el plan empezó a gestionarse y poco a poco las semillas levantaron el enorme fruto que ahora vemos en pantalla.

$219 millones de pesos y 4 millones de espectadores son los que pudieron apreciar el filme solo el primer fin de semana de estreno en México. Sin contar que salas de proyección de tipo 3D o 4DX estuvieron agotadas y el domingo ya se vendían boletos para funciones el siguiente miércoles. El furor por ver el filme ha sido un rotundo éxito para los bolsillos de Marvel Studios y Walt Disney como su distribuidora a nivel internacional.

El gancho de estrenar el filme antes que en Estados Unidos, es combatir la piratería, ya que en países como Hong Kong, India, Taiwan, (Solo por mencionar algunos) son los primeros consumidores en buscar por toda la red los filmes de estreno, en este caso, se les brindó el privilegio de tener el estreno antes que nadie. Para revisar el listado completo de cuando se estrenó o se estrenará el filme en su país favorito, favor de dar click aquí.

Entrando en la materia fílmica, lo único que se puede decir es ¡Bien hecho! ¡Aplausos y ovación de pié! El guión tiene una estructura inteligente, tanto en narrativa, construcción de personajes y diálogos sagaces, su música encuadra la acción a la perfección, siendo Alan Silvestri (Compositor de Soundtracks como Volver al futuro, Forrest Gump, Depredador) el culpable de este mérito.

Las secuencias de acción son limpias, adiós a las cámaras en mano y problemáticas de movimiento exagerado, vemos a cuadro, lo que tenemos que ver: a un equipo de superhéroes que hacen mancuerna, cada uno haciendo lo que mejor sabe hacer de sus propios atributos o superpoderes.

La gran incógnita de los fans era si Mark Ruffalo, iba a poder llenar el personaje de Bruce Banner y replantearlo como una salvación (Ya que recordemos que este ha sido el único de los vengadores que ha sufrido de 3 cambios en la pantalla, el primero en el catastrófico filme ‘Hulk’ del 2003, con Erick Bana, para luego reiniciar la franquicia y sacar una secuela amorfa llamada ‘El increíble Hulk’ en el 2008 con Edward Norton) Pues la gran noticia es que desde Lou Ferrigno, el Hulk de la serie de los 80’s que no se veía un hombre verde representado con el carácter y la majestuosidad que se necesita. Ahora que este Hulk ha funcionado al estilo ‘Dr. Jekyll & Mr. Hyde’, es probable que se reanuden sus filmes y al fin darle un lugar digno en la historia de la cinematografía.

Robert Downey Jr. Hace lo que mejor sabe hacer, ser un ‘badass’ con frases irreverentes y portar el traje de Iron Man como el excéntrico millonario de las industras Stark. Es bien sabido que se esperaba el lanzamiento de este filme, para ahora continuar con el tercer filme del personaje en el 2013, lo capcioso es que no se esperaba tener tanto empuje al inicio de esta franquicia.

Hawkeye y Black Widow fueron los únicos que no tuvieron filme previo al lanzamiento de Avengers, solo el personaje interpretado por Scarlett Johansson tuvo una interpretación en el filme Iron man 2, más no fue necesario hacer tanto alarde de los mencionados, su despliegue en pantalla nos dá suficiente referencia y contexto para inmediatamente identificar a los personajes; lo cual también es un hecho a remarcar en el filme, ninguno de los vengadores resalta más uno que de otro, todos tienen una participación solida y al momento, sin opacarse o anteponer los egos en pantalla.

El Capitán Steve Rogers, mejor conocido como el Capitán América, funge como centro de coordinación entre el equipo, y a pesar de ser un personaje un tanto nacionalista, tiene sus puntos a favor con la comicidad y empuje que le engloba en el filme, de hecho en la película había escenas extras explicando mucho más contexto del Capitán Rogers, el filme iba a durar 3 horas, solo que por cuestiones prácticas se decidió recortar a 2 horas 20 minutos, más este pietaje quedará pendiente para las versiones extendidas de DVD o Blu-ray.

Thor es sin duda uno de los ejes funcionales para la trama del filme, ya que se podría decir que prácticamente gracias a la intromisión de su filme en el 2011, se derivó la trama de los Avengers. Para quienes piensan que ‘Los Vengadores’ es el filme que cerrará una saga, lamento informarles que es solo el comienzo de una derrochadora industria llena de muchos más filmes alrededor del universo Marvel, Ya se cocina la secuela del mismo Thor, un filme para el personaje de Nick Fury, la mencionada secuela de Iron Man, otro seguimiento del reboot de X-Men y por supuesto, mucho más Vengadores para rato.

Clasificación: Si no vió las películas individuales de los héroes aquí mencionados, no importa, vea el filme y luego haga un maratón del universo marvel. Si usted creció leyendo comics, coleccionando las pepsi-cards, viendo la serie ochentera de Hulk, o las animaciones de alguno de los mencionados, créame que esta es una excelente oportunidad para seguir alimentando a ese niño o niña interior que lleva dentro.

Saludos aventuradores.

H.

A diferencia de lo que ocurre con los vampiros, hombres lobo y otras creaturas del folclor cuya existencia se entiende como puramente fantástica, en el caso de los fantasmas esta cuestión es mucho más controvertida. Ante la dificultad para explicar ciertos eventos paranormales, existen grupos de personas con la meta de estudiar e investigar supuestos casos de actividad paranormal. Claro, muchos de estos grupos caminan en la delgada línea entre la ciencia y la superstición, pero su existencia es testamento de que la fascinación por los fantasmas está más viva que nunca. El mundo de estos investigadores paranormales capturó la imaginación del cineasta Español Rodrigo Cortés, inspirándolo a escribir la cinta “Red Lights”. Sin embargo, su investigación fue tan extensa que dio pié a un segundo guión que tituló “Emergo”. Y este guión significó la gran oportunidad para el joven cineasta Carles Torrens, a quien Cortés eligió para desarrollarlo.

“Emergo”, palabra que en latín significa “aparecer”, cuenta la historia de un equipo de investigadores de lo paranormal que deciden estudiar un caso de aparente embrujo en un apartamento. El equipo consiste del Dr. Helzer (Michael O’Keefe), su asistente Ellen (Fiona Glascott) y el experto técnico Paul (Rick Gonzalez), quienes se adentran al departamento 143 donde viven Alan White (Kai Lennox) y sus hijos Caitlin (Gia Mantegna) y Benny (Damian Roman). En el apartamento, Paul y Ellen comienzan a instalar sus aparatos: detectores de movimiento, cámaras en cada habitación, y detectores de señales electromagnéticas. La razon de esto es que la familia White ha sufrido actividad paranormal desde la muerte de la esposa de Alan. Ruidos en la casa, objetos que se mueven, y la terrible sensación de que no están solos. Para colmo de males, la relación entre Alan y Caitlin no es nada buena, haciendo más difícil la labor de los investigadores.

Rebautizada con el título internacional de “Apartamento 143″, la cinta narra básicamente la experiencia de los tres investigadores al enfrentarse a un caso real de embrujo. Lo interesante de la trama es que su autor, Rodrigo Cortés, le da un enfoque de realismo al como se desarrollan los personajes en el apartamento. Es decir, los investigadores de Cortés no son meros aficionados, se asumen como científicos y actúan como tales, movidos por una curiosidad con la que vencen al temor. Este punto da a la cinta una mayor verosimilitud, pues en cierta forma justifica el que los personajes sigan grabando a pesar de lo que viven. En general, “Emergo” se distingue de muchas cintas de falso documental por el simple hecho de que hay un esfuerzo consciente de desarrollar a sus personajes y darles una personalidad definida. Esto le da una mayor frescura a la historia, algo benéfico pues la trama en sí no se caracteriza por su originalidad.

Desarrollando su cinta como un falso documental, el joven debutante Carles Torrens presenta una historia contada por la suma de lo grabado por las cámaras que el equipó ha instalado en toda la casa. Así, la cinta incluye tomas de cámaras de seguridad, tomas de una cámara profesional, grabaciones de una handycam e incluso de un teléfono célular. Visualmente esto la vuelve muy rica, Óscar Durán resultando en una buena variedad de estilos visuales, que no sólo lucen bien, sino que además son justificados por la propuesta visual de Torrens. Sin embargo, no todo es perfecto en “Emergo”, pues a pesar de presentar un interesante manejo de cámaras, la narrativa visual de Torrens es en general deficiente, y esto se aprecia en el ritmo tan dispar que la cinta tiene en ocasiones, pues hay más de un momento en que la acción se alenta demasiado y simplemente no pasa nada, además de un par de largas escenas de diálogos expositivos que podrían haberse resuelto en forma más ágil.

Cabe destacar que aunque nada sorprendentes, sí hay varias actuaciones de gran calidad en “Emergo”, principalmente quienes interpretan a los miembros del equipo de investigación paranormal. Michael O’Keefe, que interpreta al líder del equipo, el Dr. Helzer, realiza un buen trabajo como la voz de la razón en la cinta, escéptico a la explicación sobrenatural de una casa embrujada y decidido a encontrar el verdadero origen de lo que está ocurriendo en la casa de los White. Rick Gonzalez y Fiona Glascott también dan buenas interpretaciones, y la química entre ellos es bastante buena. Gonzalez sobre todo demuestra un buen toque cómico, pues sin ser exagerado, aligera el tono serio del filme. Gia Mantegna (hija del actor Joe Mantegna), quien interpreta a Caitlin también brinda un buen trabajo como la rebelde hija adolescente de Alan, aunque ciertamente sobreactúa en ocasiones.

El punto negativo del elenco es sin duda Kai Lennox, quien brinda una interpretación bastante pobre como Alan White, demasiado sobreactuado y artifical en su actuación. Esto se vuelve particularmente notorio en el par de largas escenas donde el director Torrens deja a su personaje explicarse. No sólo las tomas son largas y rompen con el ritmo de la cinta, Lennox no saca ningun provecho de ellas y al contrario, sus limitaciones actorales quedan al descubierto. Probablemente decisiones como esta provengan de su falta de experiencia, pero la torpe dirección de Torrens realmente afecta a “Emergo” y la vuelve un poco cansada y aburrida, a pesar de su corta duración. Aunque claro, hay momentos bien logrados en la cinta, particularmente el climax es una efectiva escena que conjuga perfectamente lo fantástico con lo realista (lo que todo falso documental debería hacer) en una muy bien concebida escena.

Hay muchas cosas buenas en “Emergo”, cosas donde realmente supera a la mayoría de las cintas de “metraje encontrado”. Sin embargo, tristemente también hay una buena cantidad de puntos negativos que restan valor a esta película. Ciertamente, Rodrigo Cortés cimenta su reputación como un autor de género que se arriesga con propuestas nuevas en cada proyecto (como ya demostró en su propia cinta, “Buried”); pero a su pupilo Torrens desafortunadamente le pesó la falta de experiencia. De cualquier manera, a pesar de los errores Torrens demuestra en “Emergo” tener una interesante visión, fresca y original, y eso no cualquier debutante logra.

J. Luis Rivera

Dirección: Dean Wright

Reparto: Andy Garcia, Mauricio Kuri, Oscar Isaac, Santiago Cabrera, Rubén Blades, Eduardo Verástegui, Eva Longoria

En la era post-revolucionaria de México, Plutarco Elías Calles promovió la reglamentación del artículo 130 de la Constitución de 1917 en la que se establecía limitar o suprimir la participación de las iglesias en general en la vida pública. Esto causó revuelo ya que se empezó a perseguir a los párrocos, sacerdotes y demás gente del clero, llegándola a erradicar o prohibirles oficiar misa. En esta situación extrema un grupo de mexicanos inconformes buscaron tomar justicia a su manera con las armas, y este movimiento generó la guerra cristera, o lo que es mejor conocido como ‘Cristiada’, y es de ahí como se inicia la premisa de este filme que pugna por ser ‘La historia de México que te quisieron ocultar’.

El filme cuenta con un talento actoral de primera, un equipo y producción al estilo hollywoodense, un guión con narrativa decente… Pero a pesar de que todas las piezas están en su lugar, algo no termina de cuajar, y lo que pudo ser un gran acierto a respetar, es que si este filme narra un importante pasaje de la historia mexicana, es que fuera un filme hablado en español y no en un atropellado inglés, ya que su reparto o es mexicano o de origen latino.

Un gran mérito del filme es haber utilizado locaciones auténticamente mexicanas ya que se filmó en Durango, San Luís Potosí, Zacatecas, Puebla y hasta en el mismísimo Castillo de Chapultepec. Los detalles históricos tanto de uso, costumbre, vestimenta y demás accesorios fueron cuidados en buen detalle.

Algo bastante rescatable es que el guión se construyó en base a personajes que realmente existieron en la guerra de los cristeros, por lo que le da una sensación de tacto a la historia contada. Su fotografía explora los ambientes y atmósferas creadas, obteniendo un resultado digno en las secuencias de acción y la planeación de los encuadres en las batallas. No era para menos ya que su director es un experto en el departamento de efectos visuales en Hollywood.

A pesar de ser una ópera prima, la película corre y cumple su objetivo, pero dista de ser un ejemplo educado o tomarla como marco referencial a la guerra cristera, ya que hay algunos datos en los que se necesita ahondar, pero es un buen arranque para meter esa espina de la incertidumbre en el espectador e invitarlo a investigar sobre el tema.

Este filme es el claro ejemplo de que el cine mexicano puede pretender disfrazarse de estadounidense, más hagamos las cosas bien desde un principio (Sobre todo si fuiste patrocinado en parte por los Caballeros de Colón y tuviste $12 millones de dólares para hacerla). Si un filme es bueno por su contenido, NO necesita estar en inglés para agradarle a los gringos, mejor suerte para la próxima.

Clasificación: Véase como un hecho anecdótico de algo que si fue real, pero saliendo del cine péguese a un libro de historia o indague de la verdadera batalla librada, con la que se obtuvo libertad de culto en lo que ahora es este México que adora la fe católica.

Saludos Cristeros.

H.